Особенности классической музыки

О «временности» музыки
 

humorable рассказывает о многогранности музыкального текста:
Как я уже сказала, то что мы знаем о развитии литературы и изобразительных искусств, годится также и для музыки. Есть, тем не менее, несколько отличий. Первое — музыка вплоть до периода классицизма слегка опаздывала в росте. Примерно лет на сто. Т.е., когда нам показывают готический собор на фоне органной музыки Баха, а скульптуры Микельанджело — под Моцарта, это несинхронно исторически, хотя эстетически совпадает идеально. A используют ее — потому что музыка Средневековья менее ярка для слушателя, менее объективно подходит под определение обще-прекрасного, нежели Бах и Моцарт.
Ну, ладно: музыкальный текст менее конкретен, и его с легкостью можно приспособить к самым разным визуальным объектам. Но еще есть неловкий момент, который можно истолковывать по-разному, и он остается открытым. Музыка — искусство временное, не зафиксированное. Я в свое время учила средневековую нотацию: славянскую в Москве и западную — в Тель-Авиве. Сразу скажу, что учила по необходимости, я не люблю ломать голову над шифрами.
 


В Москве просто списывала у тех, кто этим занимался серьезно. Там и списать-то тяжело! Одни каляки, как иеороглифы. Они и называются — крюки.

В Тель-Авиве списывать не дают — поэтому пришлось сидеть с ластиком и карандашом и решать задачки.
 


Этот пример, кстати, очень известный, даже знаменитый. Думаю, можно догадаться, ответ в тексте!

Скажу еще раз сразу: почти ничего не помню, кроме красивого слова «Параклит», с которого начинались строчки записи в славянской нотописи, и не менее краcивых названий невм «virga» и «punctum», вышедших из употребления несколько сот лет назад.

Но что я помню и понимаю — что запись того времени весьма приблизительна и допускает разные трактовки и интерпретации. Это о ритме и высоте. Что же касается темпов, динамики и характера, то тут вообще каждый решает по своему усмотрению.

Инструменты — аутентичные, сделанные по рисункам и т.д. — также разнятся — по сырью для изготовления компонентов, по технике звукоизвлечения.

Читать далее в блоге автора


Развитие музыки во время Античности
 

humorable — о том, какой вклад внесли в развитие музыки античные философы:
Имя Пифагора обозначено самым крупным шрифтом в истории музыки, ибо он — отец музыкальной шкалы, т.е. той самой простой гаммы и всех ее последующих преобразований.Это открытие равно введению азбуки в языке, или числам в арифметике, наверное.

Пифагор открыл, что все наши соображения и впечатления по поводу того, какое созвучие приятно и красиво, а какое нас раздражает и тревожит, основаны на числовых соотношениях. Есть подробное математическое объяснение, но поскольку я не люблю говорить о том, чего не знаю, то и оставлю это для прочтения тем, кто — да. И объясню просто, как я понимаю. Созвучия, состоящие из двух звуков, называются интервалами — аналогично интервалам времени и название: расстояние между звуками.По звучанию они делятся на консонансы( согласно) и диссонансы ( несогласные). К первой группе относятся октава, квинта и кварта (совершенные, чистые консонансы), а также терция и секста (несовершенные). Ко второй — секунда и септима. Как правило, любой человек различает на слух, приятно ли уху данное сочетание звуков. Пифагор, взяв струну (ее называют гармоникой Пифагора), стал делить ее — зажимать. Вначале посередине, потом на три части, потом на четыре и т.д.
 


И каждый раз проверять, что за интервал получается по сравнению с исходным — звуком свободной струны. Звук, издаваемый струной при зажатии посередине создает расстояние октавы — 1:2.2:3 — квинты. 3:4 — кварты. Чем более сложные числа в отношении, чем на большее количество частей разделена струна — тем интервал звучит напряженнее, «диссонантнее». Нам приятно слышать те интервалы, которые составлены отношениями первых простых чисел. Далее: шкала Пифагора — мажорная гамма ( до-ре-ми-фа-соль-ля-cи) — это призма, преломление квинт:каждая следующая из которых находится в отношении 2:3 к предыдущей.

Читать далее в блоге автора


Музыкальная гармония в Средневековье
 

humorable о том, как появилось понятие музыкальной гармонии и почему оно фактически не меняется до сих пор:
В пятом веке нашей эры жил философ по имени Ани́ций Ма́нлий Торква́т Севери́н Боэ́ций — мыслитель, успешный в карьере чиновник, первый министр короля Теодорика. Христианин. Попав в тюрьму по навету, умер, измученный пытками, и считается христианским мучеником. Oн — собиратель античной философии, и более того: благодаря ему античная философия проникла в средневековые воззрения и благополучно развивалась. И на картине «Афинская школа» он тоже присутствует вместе с прочими античными гениями — слева внизу. Пифагорейская теория гармонии мира дошла к нам через Боэция, в трактате «De institutione muzica» — он собрал древнегреческую доктрину и изложил ее на латыни. Подробно, предельно доступно и упорядоченно трактат Боэция излагает Ю. Н. Холопов — как везде и всегда.

Заодно уж я скажу о самом интересном и ярком развитии теории «музыки сфер» — у астронома Кеплера..
Кеплеру посвящен шикарный сайт, и с звуковыми иллюстрациями, просто прелесть. Я даже и не буду ничего о нем говорить, только то, что у Хиндемитa есть опера о Кеплере под названием «Гармония мира», и о том, что жизнь Кеплера была неимоверно трагична.

Если вы ходили «по ссылкам», то видело: везде присутствуют следующие принципы:

«Гармония мира» означает «Музыку мира» Слова «музыка» и гармония здесь тождественны. Означают они в данном случае согласие между элементами систем — коих называют три:

musica mundana ( harmonia).musica humana ( concordia)musica instrimentalis ( consonantia).

Гармония в космосе — это, как я уже сказала, сочетание частоты колебаний планет солнечной системы.
Гармония человеческая — это согласная работа систем его организма — физических и ментальных.
Гармония в музыке — это, наконец, музыка в современном понимании.

Гармонией космоса занимались математики и астрономы, гармонией человека — медики и философы, а музыкой музыкальной — конечно, musicus-ы.

Читать далее в блоге автора


Ренессанс — появление новых звучаний
 

humorable рассказывает, как появилось многоголосье в европейской музыке:
Светская музыка, выскользнув из рук бродяг и нищих, облагораживается, переходя в сферу профессиональной инструментальной и вокальной музыки — как это бывает с разными попсовыми жанрами. Музыка церковная развивается в сторону полифонического многоголосия — подробнее потом.
И получается, что из разделения философски-номинального вытекает два вида многоголосия: основные для европейской музыки. Первое — гомофонно-гармоническое (так и тянет сказать «гомофобноe»). Это род музыки, в которой присутствует мелодия — неважно, исполняют ли ее на каком-то инструменте, или поют — и сопровождение, в виде аккордов, или пассажей. Сопровождение образует гармоническую поддержку, наполнение, но самостоятельно не особенно интересно для слушателя.
Второе — полифоническое. В данном случае каждый «голос» — самодостаточная мелодия, одновременно из сочетания таких мелодий образуется вертикаль, аккорд.

(Напомню факт очевидный: с 1450-го года развивается книгопечатание, что позволяет быстрее и точнее распространить любое знание, а в том числе, и ноты) Светская музыка, как мы знаем, выросла из песен и танцев. Танцы к этому времени утрачивают меняют свое утилитарное назначение и теперь являются жанрами. Аллеманда, куранта, сарабанде и жига — это «танцы народов мира», каждый из которых обладает своим характером и правилами. Услышав энергичный размер 6/8 , предлагающий быстрое движение, народ радостно кивает: это жига, танец английских матросов!

Читать далее в блоге автора


Барокко — зарождение настоящей классической музыки
 

humorable считает, что абсолютно логичным появление классической музыки именно в период роскошного барокко:
В это время ( вторая половина 16-го — первая половина 17-го вв.) коннотация, взаимодействие разных частей Европы усиливалось, и абсолютизм исторический должен был отразиться каким-то образом и в искусстве?
Если говорить об изобразительных средствах музыки — то, да. Все было готово для созревания совершенного кристалла классики. Что общего все-таки между протестантским хоралом и пышностью барочного театра, между музыкой фейерверков и торжеств либо клавесинной ювелирностью?
Думаю, это: эмоция, ее индивидуальность и развитие. Если перевести слово «эмоция» в язык утилитарный, то появление мелодии.
Мелодии роскошной, из тех, которые заставляют сердце таять — развернутой, требующей сильного артистического начала в исполнении. В тот период ее называют монодией — одноголосием. Гомофонно-гармоническое, светское уравновешивает свою чашу весов по сравнению с другой, на которой мощно и крепко стоит полифония. И гармония — т.е., сочетание и последовательность аккордов — приближены полностью — на 99% к привычным нашему слуху. Каждый аккорд получает свою функцию, централизуясь вокруг главного аккорда — первой ступени гаммы тоники.

Читать далее в блоге автора

 


Особенности классической музыки

humorable рассказывает, почему музыку одних классических композиторов мы запоминаем лучше, и каких композиторов нужно обязательно знать: Классицизм был второй попыткой обращения к идеалам и нормам античной классики после Ренессанса: хватит же украшать и усложнять, прежде всего нравственность и чистота, завещанные великими. Эстетическим синонимом этого периода является название «Век Просвещения».
Что я вдруг подумала? Если спросить обывателя, что для него классика в литературе? Он вспомнит Шекспира, а потом Дюма, Бальзака и Мопассана. Если задать тот же вопрос на тему изобразительного искусства, то, уверена, все назовут Ренессанс.Символом же классической музыки является венская классическая школа.
Период времени менее 100 лет, сосредоточенный в определенном городе и состоящий из трех композиторов: Гайднa, Моцарта и Бетховена.

В прошлой части я говорила о щедром рыночном выборе, который принесли музыканты барокко. И восемнадцатый век все эти продукты довел просто до совершенства. Но музыканты довольно долго выбирали, снова отстав слегка от философов-просветителей. Т.е., период шлифовки вышел длиннее, чем сам пик классисицизма, которой, в свою очередь, был грубо опрокинут цунами романтизма.

Гайдна уважают, но мало слушают, а Бетховен уже разъеден романтизмом. Получается, что Моцарт — единственный настоящий классик? Я думаю, что на триста лет вперед была создана музыка, которая нравилась и была понятна всем. От которой можно поплакать, а можно под нее и поужинать. Можно переделать ee для детей: можно переделать цели, и даже средства.
Музыка Моцарта — как Джоконда на полиэтиленовом пакете, или как Давид на сувенирном поварском фартуке.
Коммерциализация и упрощение работают стопроцентно, но с источником ничего не происходит.
Нас все-таки слабо посвящали, вяло в то, что происходило перед этим. Поэтому, перечислив то громадное количество прекрасных композиторов, которые считаются «предтечами» венцев, я сделаю доброе дело и себе. Это мангеймская школа, возглавляемая Яном Стамицем и Ко — оркестровое исполнение их славилось на всю Европу по части разнообразия динамических оттенков. А если послушать музыку Стамица, то большая часть скажет, что это Моцарт.

Источник: http://www.livejournal.com/magazine/595900.html

 

.

Loading...
Loading...